EL MIEDO-EL MONSTRUO-EL CINE

BENNETT MILLER - El juego de la fortuna/Moneyball (2011)

2011-12-16T05:25:00.000-08:00

Todos perderemos el último gran partido.

Así ganemos veinte partidos seguidos, así lleguemos a ser el mejor equipo de la liga.

El último gran partido, el que cuenta, lo perderemos.

Entonces, perdedor -le dice la hija al padre-, disfruta el juego.

PEDRO GONZÁLEZ RUBIO - Alamar (2010)

2011-12-14T05:46:00.000-08:00

En Alamar está comprendido el mundo. Hay un hombre, una mujer y un hijo.

(El trío está representado por una lona que transporta el hijo; en la que se ve un círculo –el todo, lo eterno- en cuyo interior hay tres puntos –padre, madre e hijo. “La grande triade” de Guénon-)

El padre y la madre pertenecen a distintos mundos. Él vive en armonía con la naturaleza (lo primitivo), ella pertenece a la ciudad (lo moderno).

Son mundos opuestos pero –necesariamente- complementarios. El hijo (de esos dos mundos) los mantiene unidos en el recuerdo.

El mundo primitivo se queda con el papel protagónico de la película. Y, con él, desde ese sitio, evitando el mínimo subrayado, González Rubio se opone al “mundo vigente” (capitalismo, tecnología de avanzada, automatismo). Propone una perspectiva diferente para mirarlo.

Alamar es una obra de arte pintada con unos pocos pincelazos.

FRANCIS FORD COPPOLA - El padrino (1972)

2011-11-30T04:17:00.000-08:00

Acerca del mundo occidental:

Dios comenzó a envejecer cuando el hombre de la modernidad, Descartes mediante, dijo “yo pienso”.

En ese momento el God-Father, el jefe de la familia, el de los comienzos (el que impusiera los valores y las normas, el de la justicia celestial por sobre la terrenal), empezó a ser cuestionado por la razón.

Un nuevo hombre nació entonces.
Ni frío (Freddo) ni caliente (Sonny); racional (Michael).

Y este hombre, liberado de la magia y de los mitos, se convirtió en amo del mundo.

Michael, la razón.

RADU MUNTEAN - Aquel martes después de navidad (2010)

2011-10-14T04:52:00.000-07:00

Un ciclo.

Todo termina y todo vuelve a empezar. Un tal Mircea es nombrado, como al pasar, en esta historia que transcurre en días navideños (tal vez citando al sabio rumano Mircea Eliade, el de "El mito del eterno retorno").

"A nosotros también nos llegó el día" dirá la esposa que se enfrenta con la ruptura de su matrimonio. Un día termina. Otro día empieza. Siempre.

¿Peor, igual o mejor que el que se fue?

MANOEL DE OLIVEIRA - El extraño caso de Angélica (2010)

2011-10-10T07:07:00.000-07:00

La muerte en lo cotidiano.

El adormecimiento por lo cotidiano puede parecerse (y tal vez lo sea) a la muerte.

Cosificados (por el consumo, por la publicidad, por los valores y las verdades que cargamos como camellos y por un largo, largo etcétera), nos parecemos a Angélica, la muerta que, con una sonrisa feliz (por no decir tonta) en sus labios, descansa sobre un sillón. Eso somos. Una cosa a fotografiar. Una cosa carente de vida.

Nos deslizamos, sin remedio, sobre el plano horizontal de lo terreno, de la temporalidad, de la historia.

La salvación por el arte.

Oliveira plantea una solución al problema y la misma pasa por el arte.

Oliveira hace cine y la solución, entonces, para él, pasa a través de la lente de una cámara.

A través de la lente, a través del cine, a través del arte, aquello que está muerto (nosotros, en lo cotidiano) cobra vida.

El artista, como un eje vertical, ilumina el plano horizontal (eleva lo cotidiano a un plano superior y lo regresa, modificado a través de su subjetividad, hecho arte, para salvarnos de esta muerte en vida).

El artista ilumina su tiempo (recordemos que Isaac, el protagonista, hace cambiar la luz para fotografiar a Angélica) y le inyecta vida (Angélica, la muerta, se vuelve y le sonríe, con una sonrisa viva)

El artista recupera, para él y para nosotros, con su luz, el espacio que resignara la fantasía.

El problema con el cine de Oliveira.

El problema con “El extraño caso de Angélica” es que es soporífera.

¿Que falta Shakespeare?
No es obligatorio que esté.

¿Qué los personajes son meros vehículos para transportar la idea?
Puede ser.

Muchos cineastas se han preguntado lo mismo que Oliveira. Y muchos lo han hecho tomando la precaución de entretener al espectador.

¿De qué sirve “despertar” (iluminar) a través del arte si el espectador se “duerme” durante la proyección?

NANNI MORETTI - Habemus Papam (2010)

2011-09-11T17:02:00.000-07:00

El llanto/grito del Papa, a los quince minutos de iniciada la película, lo dice todo.

Pero a Moretti le parece que no alcanza, que no queda claro. Y ocupa una hora más en explicarlo...

ABBAS KIAROSTAMI - Copia certificada (2011)

2011-07-29T07:00:00.000-07:00

Podemos entrever las preferencias filosóficas de Kiarostami en “Copia certificada”. Por su película desfila Heráclito, Platón, Kant, Bergson, Heidegger…

El cine brilla por su ausencia.

ATRAPADA - John Carpenter (2011)

2011-07-22T06:54:00.000-07:00

En Atrapada, John Carpenter insiste con una de sus principales obsesiones temáticas: la idea de “normalidad”.

La normalidad, el mantenerse en norma, la regla, el valor de lo cotidiano, la despersonalización, el deseable “término medio”, estallan en mil pedazos de la mano de este gran maestro.

En “Sobreviven”, recordemos, el hallazgo de unos anteojos permitían ver más allá de lo evidente, husmear en el otro lado de las cosas, ingresar al interior de las mismas y descubrir que tras de la fachada de lo cotidiano se escondía el mal. El mal de la pérdida del ser, el mal de transformarse lenta e irremediablemente en un ente, en una cosa.

En “Christine” el mal se escondía en lo cotidiano, en el motor del automóvil. ¿Hay algo más cotidiano que un automóvil en nuestra vida moderna?

Pero dejemos lo que es historia y echemos una mirada, con los anteojos de “sobreviven”, a Atrapada.

Una breve sinopsis:

Alice fue secuestrada y vejada durante dos meses en su adolescencia. El modo que encontró su mente de luchar contra ese trauma fue fragmentando su personalidad en varias. Esas personalidades múltiples van muriendo a manos de un fantasma (el trauma) que las elimina una por una. Todo esto lo vemos con los ojos de Kristine, una enferma mental confinada en un hospicio. Sobre el final sabremos que Kristine es otra de esas personalidades inventadas por la mente de Alice, una resistencia más al trauma, la más fuerte, y que al derrotar al fantasma provoca la curación de la verdadera protagonista de la historia ¿la curación?

“Tanto es adentro como es afuera”.

En Sobreviven los anteojos permitían “ver” lo que se escondía tras la máscara de “normalidad” en el afuera, en la sociedad. Quien podía ver esa realidad oculta, gracias a los anteojos, era perseguido con la finalidad de “regresarlo a la normalidad”.

En Atrapada, la mente, en el adentro, desarrolla sus defensas, despliega sus máscaras, para defenderse del “suceso extraño”, del hecho traumático que sacó a Alice de la “normalidad”, de lo cotidiano. Ciencia y mente en este caso (afuera y adentro) actúan para volver a “normalizar” a Alice.

El acontecimiento “extraordinario” que vivió Alice y que la arrancó de lo cotidiano, a su vez, se defiende, se niega a ser expulsado (la puerta hacia otra dimensión, hacia otra idea de “realidad” ya ha sido abierta y se niega a volver a cerrarse) y se corporiza con la forma de un fantasma.

Alice, como Alicia a través del espejo (Carpenter lo recrea de manera literal en el final), ha cruzado el umbral (llamémoslo de “la locura”, en concesión a la “normalidad” imperante) y el retorno a la realidad no será sencillo. Alice ha conocido otra “realidad” que no es la “realidad cotidiana”.

La puesta en escena del maestro (con puertas y puertas y puertas, que se cierran, que se abren, para volver a cerrarse) destaca la dificultad del retorno.

Carpenter, una vez más, ha pulverizado, ha invertido, la idea de “realidad”.

Le ha puesto de nombre Kristine (en homenaje a su automóvil maligno) a la personalidad más resistente, a la que lucha con más fuerza por “curar” a Alice.

A Kristine la tenemos por buena durante toda la película. Vemos con sus ojos.

Pero, para Carpenter, Kristine (como Christine, como el “infierno de lo cotidiano”) es el mal.

MARIO SOFFICI - AFICHES DE SUS PELÍCULAS

2011-07-15T12:22:00.000-07:00

JOSÉ LUIS NACCI: Lo novedoso en el cine

2011-05-23T16:57:00.000-07:00

"Ciertas cinematografías periféricas construyen formas y elaboran temas que son presentados como originales y novedosos. La crítica internacional simula no advertir que esas aparentes innovaciones ya habían sido desarrolladas hace casi un siglo por Griffith o hace setenta/ochenta años por Ford, Hitchcock o Welles"

José Luis Nacci

BERNARD BERENSON: "Vivir" la obra de arte.

2011-04-20T07:28:00.000-07:00

Cada obra de arte verdadera es ya una simplificación y una interpretación. Simplificarla ulteriormente, e interpretarla con mayor penetración o sutileza, puede reducirla a un concepto. Este concepto es el que el crítico impone a sus lectores, en vez de ayudarle a "vivir" la obra de arte.

de "Estética e historia en las artes visuales"

BERNARD BERENSON: La teoría

2011-04-20T07:03:00.000-07:00

Cada vez que he formulado una teoría, a la mañana siguiente mi primer pensamiento ha sido el de ponerla a un lado. La mayoría de los hombres formulan teorías y quedan prisioneros de ellas, en vida y en muerte.

de "Coloquio con Berenson" por Umberto Morra

LOS MARZIANO - Ana Katz (2011)

2011-04-19T06:45:00.000-07:00

Según narra la tradición Taoista, la Unidad Primordial fue rota por el Acto de la Creación que separó el Cielo de la Tierra. Estos dos elementos, ya separados, continúa diciendo el relato, “se sueñan y se extrañan” ocultando un secreto anhelo de reunirse.

Los elementos separados, Cielo Y Tierra, en una posible interpretación, refieren a características humanas muy definidas: el Cielo se aproximaría a lo intangible, lo inmaterial, “lo interior” y la Tierra a lo corpóreo, lo aprehensible, “lo exterior”. El Cielo, también, sería el principio masculino y la Tierra el femenino. El Yang y el Yin.

Son opuestos en lo aparente pero necesariamente complementarios. Conforman un matrimonio en el que sus integrantes se recuerdan mediante el olvido.

Los hermanos Marziano, por separado, reúnen esas características mencionadas que, en lo más profundo de su ser, extrañan la Unidad.

Juan (Guillermo Francella) es todo Cielo. No consigue -ni desea demasiado- insertarse en el mundo laboral; es soñador, un “tiro al aire”. Pronto descubrirá que tiene un problema en la visión.

Luis (Arturo Puig) es todo Tierra. Un hombre práctico que ha conseguido una buena posición económica y que reside en un barrio cerrado en el que pronto aparecerán unos misteriosos pozos que le provocarán una “Caída” y rotura del brazo derecho (1).

Ambos -hermanos- se perciben opuestos pero, se adivinan, necesariamente complementarios.

En lo que refiere a cada ser en particular, trátese de Juan o de Luis, esas características se extrañan, se necesitan y, echándose de menos cuando faltan, anhelan una re-unión. Para que no aparezcan los obstáculos en el camino de Juan o los pozos en el country de Luis.

Retomando la narración extremo oriental, diremos que ésta se completa de la siguiente manera:
De aquel matrimonio, en el que el Cielo es el padre y la Tierra la madre, nacerá un Hijo que, compuesto por los dos elementos primordiales, será el mediador para que la boda originaria se produzca. El Hijo es un nexo, un pasaje, un puente para que se produzca la unión.

En Los Marziano ese papel lo cumple Delfina (Rita Cortese)… y la propia hija de Juan que, con motivo de su cumpleaños, re-une a los hermanos separados.

Los pozos, claro, seguirán apareciendo y provocaran otras caídas.

Recuperar la Unidad implica recorrer un sendero sinuoso en el que es fácil extraviarse. Es lo más fácil.

(1) Recordemos al filósofo griego Tales de Mileto de quien se dice que por caminar contemplando las estrellas (vivir suspendido en el "aire") se cayó en un pozo (no pudo ver lo inmediato). Posiblemente, con ironía, podamos decir que Luis, inmerso en su "mundo", es incapaz de ver los otros "mundos" que transcurren a su alrededor y que por eso cae en el pozo.

COLD FISH - Sion Sono (2010)

2011-04-16T08:41:00.000-07:00

Un macrocosmos: El universo.
Dentro de él un planeta celeste que nació hace millones de años y que morirá en otros tantos. Toda la “vida” que lo habita algún día será “pescado congelado”. Pero mientras tanto está vivo, late.

Un microcosmos: El ser humano (uno y todos) que habita ese planeta, que ha construido un “mundo”, un cosmos, según su conveniencia.
¿Está ”Vivo” ese ser humano o es pescado congelado, pescado frío?

Porque de “estar vivo” trata Cold Fish, la excelente película de Sion Sono. De “estar vivo” mientras dura la vida. Como el planeta Tierra.

El protagonista de Cold Fish, dueño de un pequeño acuario, con una familia compuesta por su segunda esposa y una hija adolescente que la resiste, no ha apostado por la vida. A modo de protección contra un exterior que juzga adverso ha anestesiado su parte sensible-intuitiva para evitarse conflictos, ha optado por ser extremadamente “civilizado” al mejor estilo japonés y resignado, con ello, la completitud (que implicaría contener tanto lo claro como lo oscuro en su interior). Ha disminuido, en síntesis, su capacidad vital.

Y lo negado, en cualquier momento, aparece reclamando su espacio. Y lo reprimido vuelve, esta vez, por el todo. La “oscuridad” avanza sobre la “falsa claridad” de su vida; en una noche de “tormenta”, a través de un ser demoníaco, en un auto “rojo”…

Cold fish es un largo recorrido iniciático (la iniciación, recordemos, consiste en “morir”, en sentido simbólico, para volver a “nacer”) donde la sangre brota a borbotones, la roja sangre de la vida. Caliente y sensual.

El protagonista habrá agotado su tiempo vital, no podrá re-comenzar su vida tras la iniciación, después de ser “descongelado”… pero puede hacer algo (y lo hace) por su descendencia, (por los que vienen después, el resto de la humanidad, metafóricamente hablando) para cambiar las reglas en uso.

Inicia a su hija en el dolor. Porque la vida también es dolor y negarlo, disfrazarlo, esconderlo, como él lo hecho, no es otra cosa que negar la vida. La vida completa.

El cuchillo de "Psicosis"

2011-04-04T20:21:00.000-07:00

...Y el cuchillo es, primero y sobre todo, un cuchillo, un cuchillo para cortar carne, largo, de acero, puntiagudo y sin filo.
Luego, pero solo luego, es también un falo, que forma parte de la construcción de la escena como violación simbólica.

V. F. Perkins - "El lenguaje del cine"

UN CUENTO CHINO - Sebastián Borensztein (2011)

2011-04-03T16:58:00.000-07:00

Roberto (el personaje compuesto por Ricardo Darín) está convencido de que el mundo es un caos inexplicable y que no obedece a ninguna lógica.

Para defenderse ha construido un pequeño mundo particular -racional, seguro y previsible- y se ha encerrado en él; tras la seguridad que le brindan las rejas de su local de ferretería.

Aquellas noticias “increíbles” que puedan dar sustento a su teoría de la irracionalidad exterior y justifiquen su encierro prematuro son recortadas y pegadas en un álbum personal.

En el patio, como si metiera basura debajo de la alfombra, ha ido depositando aquellos trastos viejos que, a todas luces, deben interpretarse como una metáfora de lo que ha negado y reprimido. ¿Qué es lo que ha negado y reprimido?

Una caja de doscientos clavos debería contener doscientos clavos. Sin embargo, Roberto cuenta los clavos y encuentra ciento ochenta y cuatro o ciento ochenta y seis. No es lógico.

No, no es lógico. Es la necesidad de lo fantástico que Roberto ha reprimido y que retorna solapadamente para recuperar su lugar. La necesidad de que nos cuenten –y de tener la capacidad de escuchar- algún “cuento chino”.

¡Qué desilusión si efectivamente la caja contuviera doscientos clavos!

¿Qué es lo que el hombre, ya en un plano general, ha negado a partir de un racionalismo extremo y que el personaje de Roberto representa?

Todo aquello que la razón no puede explicar. Lleve el nombre que se le quiera dar: Fantasía, Metafísica, Dios, espiritualidad, etc.

El problema para Roberto –y para el hombre- es que lo negado, en algún momento, con una forma no deseada, violentamente, viene a reclamar su espacio en la constitución del ser.

…Y, desde “el otro lado del mundo”, en la vida segura de Roberto, aparece el “monstruo” chino que viene a trastocar todos los papeles, a sabotear el plan perfecto.

¡No es lógico tener un chino en casa!

Por fin, la aceptación de lo reprimido permitirá limpiar de basura el “patio interior” y sacarla a la calle, permitirá tirar abajo las estanterías donde se guardan objetos muertos y, a partir de ello, dar lugar a la vida. A la verdadera vida. Una vida que contenga, también, lo fantástico. Una vida completa.

Roberto, liberado, va a buscar la vida.

UN DESPERTAR GLORIOSO - Roger Michell (2010)

2011-04-01T04:59:00.000-07:00

Por intuición o a sabiendas el cine americano respira mito.

“Morning glory/Un despertar glorioso” respira mito, respira humanidad.

El tiempo circular, el mito del eterno retorno. Los ciclos.

Se “nace” con la primavera (las hojas, las flores…los frutos) y se “muere” con el invierno. Para “re-nacer” nuevamente con la siguiente primavera.

De la misma manera, en la vida moderna, nuestro “Año nuevo”, nuestro esperanzado “renacer” de cada enero, envejece a medida que caen las hojas del almanaque y muere a “fin de año”. Para “re-nacer” al siguiente.

Ciclos. Del amanecer a la noche. Y un nuevo amanecer.

Mike Pomeroy (Harrison Ford) ha cumplido su ciclo, ha envejecido y está muriendo (como periodista) al igual que el programa “Amanecer” de la televisión americana. Para ambos llega la noche.

Becky Fuller (Rachel McAdams) trae consigo la primavera y un nuevo amanecer (“re-nace” en su nuevo trabajo como productora del programa “Amanecer” luego de haber “muerto” en el anterior).

El ciclo, el círculo, está presente en la puesta en escena: notificada de su nuevo empleo, Becky estalla de algarabía dentro del círculo de la letra “a” (logotipo de la cadena de televisión). Las palomas vuelan. Es la primavera, es el re-nacer.

Nos reconforta el re-nacimiento de Becky, el re-nacimiento de Mike Pomeroy, el re-nacimiento del programa “Amanecer”. Así de simple. Así de humano. Así es la vida.

BRIAN DE PALMA POR BRIAN DE PALMA

2011-03-22T10:35:00.000-07:00

Cuando se trabaja, como hago yo, con el suspense o el terror, se puede salir con frecuencia del paso porque la gente no lo toma a uno en serio. Lo que les cuentas puede hacerles sentirse incómodos, pero luego se lo quitan de encima diciendo: sólo es una película, la realidad no es así. Y, sin embargo, lo que yo hago es enfrentarlo con sus temores más primarios, con su inconsciente, pero lo hago de forma atractiva.

Pero nuestros críticos tienen un nivel cada vez más lamentable. La mayoría ni siquiera intenta ya saber qué cuentan las películas que haces. No pasan de las apariencias; para ellos, lo que yo hago pertenece al género melodrama terorífico y punto. He llegado incluso a preguntarme si quedan en los Estados Unidos críticos dignos de tal nombre. Cuando yo empecé, estaban Pauline Kael y Andrew Sarris; ahora ya no ejercen...En cuanto a los demás, lo que hacen sobre todo es proporcionar material publicitario a los estudios reduciendo las películas a un mero adjetivo: "Deslumbrante", "Fulanito se ha superado..." Si te fías de sus opiniones, puedes creerte con toda sinceridad que se estrenan anualmente más de treinta obras maestras en los Estados Unidos.

Entrevista de S. Blumenfeld y L. Vachaud.

Bertolt Brecht y "el distanciamiento"

2011-03-22T05:01:00.000-07:00

Bertold Brecht no abrigaba simpatía alguna por el mundo burgués. Lo rechazaba violentamente, se pronunciaba sin restricciones por el mundo en devenir del socialismo, consciente de la problemática planteada por ese proceso, y supo hablar de ello en una lengua poética que fascina inclusive a quienes no piensan como él. Su método artístico consiste en superar la alienación mediante el "efecto de alejamiento", en no reflejar de manera naturalista una realidad difícil de diferenciar sino presentarla proyectando sobre ella una luz tan insólita que gracias a ello se revela de repente en su verdad. Tal método ha ejercido también sus efectos sobre quienes no soportaban que se les hablara del siglo XX con el estilo del XIX.

Ernst Fischer "El problema de lo real en el arte moderno"

--------------------------------------------------------

El distanciamiento brechtiano, al fin y al cabo, sólo podrá ser efectivo si existe algo -una emoción, un deseo- de que distanciarse. Limitarse a lamentar los deleites del público frente al espectáculo y a la narración delata una actitud puritana respecto del placer del cine. De poco les sirve a las películas ser correctas, si a nadie le interesa participar en ellas.

Robert Stam.

DILLINGER È MORTO - Marco Ferreri (1969)

2011-03-20T06:45:00.000-07:00

Hombre asfixiado.
Disciplinado por la cultura.
Hombre "normal", hombre decorativo, hombre plástico.

Falta sangre, falta rojo, falta pasión, falta Dillinger.

El hombre encuentra un arma vieja y oxidada, empaquetada y escondida en el fondo de un placard. La observa, le trae recuerdos de otra época, la desarma, la limpia y la vuelve a armar.

El hombre vuelve a armarse como hombre, vuelve a reconstruirse.

La primer tentación: transformar el arma recuperada, de nuevo, en un instrumento decorativo.

Superada esa trampa mortal, le pega un tiro a todo el mundo/vida anterior y se va.

Final en rojo. Rojo sangre, rojo pasión.

Obra maestra.

JACQUES TOURNEUR (algunos afiches)

2011-03-19T20:15:00.001-07:00

PIRAÑA 3D - Alexandre Aja (2010)

2011-03-17T11:23:00.000-07:00

"No hay viento propicio para quien no sabe adónde va"
Séneca.

Carne, mucha carne. La fiesta anual en el lago Victoria reúne a una multitud de jóvenes sin otra preocupación que divertirse. Carne. Fiesta de tetas y colas, fiesta de cuerpos bellos y armónicos, fiesta estética de la materia, fiesta del plástico. Carne sin alma, triunfo de la exterioridad pura.

Alexandre Aja cumple en informarnos que el mundo (del amor y del sexo) ha cambiado desde los ochenta a esta parte, desde aquellas pirañas de Dante y de Cameron. El sexo genital y urgente de aquellos años ha devenido en un sexo racional, rutinario y lejano donde importa más mirar que tocar y parecer más que ser. Las tetas de entonces -grandes o pequeñas, turgentes o flácidas- han adquirido, a base de gimnasio, alimentación o siliconas, un desabrido tamaño estándar. Aquellos culos "con detalles" han cedido su lugar a colas perfectas que -como toda perfección que gira en torno a la nada- aburren. La desaparición del vello genital parece haber desvelado, junto con las partes, todos los misterios del sexo. Se habla de él, se lo desea sin deseo y se lo practica muy poco. Hay carne en esta fiesta, mucha carne plástica…carne sin sangre. Cerveza en vez de vino, paladar en vez de dientes.

¡Millones de años de evolución para llegar a la fiesta del lago Victoria!
Toneladas de capas geológicas, siglos de cultura, el triunfo rotundo de la razón sobre el mito, han sepultado muy profundo toda intuición y todo instinto. El mundo, no es ninguna novedad, se ha des-encantado a golpes de racionalidad y de lógica.

¿Y si un temblor, un movimiento de tierra, liberase una necesidad interior reprimida y olvidada en el fondo de los tiempos? ¿Y si la misma, por esa grieta, regresase, metafóricamente, con la apariencia de un monstruo, de una piraña del pleistoceno, a reclamar, violentamente, su espacio en la constitución del ser?

¡Cuánta carne, qué multitud chapaleando en la superficie, qué fiesta para un hambriento carnicero!

Jake y Kelly, al menos, no son un montón de carne más. Ellos intuyen una ausencia.

Derek, el tentador, el cineasta porno, el documentalista de lo exterior, trata de llevarlos a su reino unidimensional, el de la forma que contiene solo vacío; desea subirlos, a toda costa, a su nave de perdición.

Jake trata de disuadir a su amada y no lo consigue. Pero luego Kelly, en camino a ser iniciada en el culto que propone Derek, ofrece resistencia; expulsa al demonio que empezaba a poseerla, lo vomita.
Simétricamente, la piraña vomita el pene insípido de Derek, con cierto asco, como si se deshiciese de un pedazo de plástico.

El yate se hunde -cualquier alusión a Titanic no es simple coincidencia- , es necesario cambiar de embarcación.

Mientras, en la playa, los bañistas resultan presa fácil del voraz monstruo arcaico que ha sido liberado.

Una fiesta de carnes desgarradas. Muerte en el agua.
Pero del agua, también, como en los inicios, viene la vida. Las aguas rojas del lago Victoria pueden significar, luego de la debacle, un re-nacimiento.

Alexandre Aja sabe adónde va.